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Se o Beneath the Remains (1989) fez o Sepultura ganhar a visibilidade internacional que merecia dentro do cenário metálico, seu sucessor, Arise (1991), permitiu que a banda mineira insurgir-se de vez como grande nome do som pesado mundial. Não era para menos, já que pela primeira vez o quarteto teve à disposição uma estrutura adequada para materializar seu potencial matador: um estúdio gringo (o Morrisound, capitaneado pelo então grande nome da produção de música extrema Scott Burns), tempo e vontade de detonar a porra toda. O resultado foi um trabalho menos acelerado que os anteriores, mas carregado de riffs poderosos, batidas precisas e um groove cativante como em nenhum outro registro da discografia até aquele momento. Sob esse cerco criativo de peso musical estava o vocalista Max Cavalera, um dos destaques do álbum com seus gritos desesperados.

Arise é thrash, mas não apenas isso. Usa elementos do death, do hardcore e até do industrial — além de referências tribais que mais adiante ganhariam destaque na obra do Sepultura — para apresentar um grupo sem medo de experimentar com suas influências. Talvez por isso o disco seja atemporal e tenha força para incitar os irmãos Cavalera a fazerem uma turnê celebrando seu lançamento e do seu antecessor.  É essa gira, nomeada como “Max & Iggor Cavalera 89/91 Era Special Setlist”, que chega a Porto Alegre no domingo, 4 de novembro, com show no Opinião (Rua José do Patrocínio, 836).

Conversamos com Max, um rockeiro de 49 anos — mas com alma de 15, segundo o próprio —, que não abre mão das camisas pretas e de ressaltar suas influências, e que sabe aproveitar a nostalgia que lhe é de direito. Afinal, ele vê o mundo velho, talvez até morto, mas suas composições seguem bem vivas.

=> Confira entrevista com Iggor Cavalera falando sobre o Beneath the Remains aqui.

Analisando hoje, parece que existe uma conexão entre os títulos Beneath the Remains e Arise. Tipo: passa a ideia de um grupo que brota dos escombros do terceiro mundo para se insurgir contra o que for preciso na busca de um sonho. Isso foi intencional?

Max Cavalera — Não foi intencional, foi meio que um acidente o nome dos discos um responder ao outro. Primeiro saiu o Beneath the Remains (Debaixo dos Escombros), depois veio o Arise (Para Cima, em tradução livre). Ficou legal a mistura dessas duas ideias juntas. Até por isso que a gente resolveu fazer a tour agora que é dos dois álbuns juntos. Vamos voltar à época de 1989 a 1991 e misturar as melhores músicas desses dois registros para tocar ao vivo. O lance que rolou entre o Beneath the Remains e o Arise foi um acidente meio que perfeito.

Um característica bacana do Sepultura — ou melhor, do seu trabalho, para além da antiga banda — é que sempre rolaram referências/homenagens à artistas que serviram de inspiração, seja na sonoridade, nas letras ou até nas roupas. Nesse caso, por exemplo, Arise é também o nome do primeiro trampo do Amebix. Essa relação existe mesmo? E por que sempre tentar mostrar que as influências existem e que são fundamentais para a construção de uma identidade própria?

Max Cavalera — A gente sempre curtiu o lance da influência e de usar as coisas das bandas que a gente gosta. Até hoje eu sou assim: tenho 49 anos, mas a minha alma é de 15 anos (risos). Eu sigo com as camisas das bandas que eu gosto, que eu quero divulgar, com a jaqueta cheia de bottons e de patches. E tem o lance da influência de nomes de discos também, até hoje. Para o novo do Soulfly, que se chama Ritual, a ideia veio do Ritual de lo Habitual, do Jane’s Addiction. Tem referência que nem é do metal e que gente pega emprestado de outros estilos de música. O próprio Roots, por exemplo. Lembro que na época eu falei para a gravadora que esse seria o nome do álbum e eles acharam que isso parecia coletânea de reggae. Aí, expliquei para ficarem tranquilos que, quando saísse o Roots do Sepultura, essa palavra ia ficar conectada ao metal. Até brinquei que apostava todo o dinheiro que tinha no bolso. E, lógico, tem o Arise com o lance do Amebix — intencionalmente ou não, não recordo, pois faz muito tempo. Mas acho que foi daí que devo ter tirado a inspiração, porque a gente ouvia bastante punk naquela época.

Outra questão que tem a ver com isso é que o Arise não é um disco de thrash tradicional, o que desafiava os padrões da época. Ali tem, além do flerte com o death que já era forte no som da banda, elementos do industrial (talvez influência do Ministry, com quem o Sep excursionou) e até umas batucadas — algo que depois ficaria mais visível nos trabalho posteriores. Como foi construir essa diversidade dentro da unidade?

Max Cavalera — O Arise foi construído diferente do Beneath the Remains, até pelas condições que a gente tinha. O Beneath… foi gravado de noite, no estúdio Nas Nuvens (RJ). Então, foi uma coisa mais desesperada. O Arise foi mais relax. Estávamos no estúdio Morrisound, na Flórida, que era o templo do death metal. A gravadora nos alugou um carro, tinha hotel. Estávamos começando a ficar mais confortáveis como músicos para poder fazer o que se queria. Musicalmente, tem a ver com a nossa própria curiosidade. A faixa-título é o epicentro do death/thrash, com elementos desses dois gêneros combinados da melhor maneira possível. Tem ainda as experimentações. Tipo ‘Dead Embryonic Cells’ com uns barulhos eletrônicos, de umas máquinas, no começo. ‘Desperate Cry’ traz um pouco de sintetizadores e guitarra limpa. ‘Altered State’, acho, é o primeiro lance tribal do Sepultura. Aquela intro foi gravada nos Estados Unidos com um cara do estúdio que fazia uns lances para videogame. Ele criou esse som que é meio vodu/tribal/eletrônico. E nossa curiosidade nunca parou. Com o Chaos A.D (1993) isso aumentou e, com o Roots (1996), foi o ápice. Quando eu ouço o Roots acho legal porque, além do lance tribal, tem bastante peso, tem bastante punk. ‘Dictatorshit’ é bem thrash. A nossa curiosidade sempre andou de mãos dadas com o próprio metal, e nunca tivemos medo de experimentar, desde o começo.

Se você monta uma banda e faz as primeiras demos, já tem quem fale que o cara é “vendido” porque gravou algo. É impossível agradar a todos. O pior que se pode fazer é tentar agradar todo mundo. Tem que fazer o que se gosta e acredita, e não ter medo de fazer. Tem de ter o risco para rolar a recompensa.

Pelo menos até aquele momento, acho que não é exagero dizer que o Arise tem os riffs e as letras mais irados da sua carreira até então. Concorda? Tem até referência ao escritor Augusto dos Anjos. De onde veio tanta inspiração?

Max Cavalera — Tem bastante referências distintas no disco. ‘Under Siege’ é influência do ‘A Última Tentação de Cristo’ (filme de Martin Scorsese). Eu até peguei um pedaço das falas e botei na música. Tem ainda ‘Murder’, que é bem simples, e fala sobre violência. A própria ‘Arise’ eu acho bem bacana. Tipo no final, quando fala que a religião tenta fazer algo mas os problemas continuam. Aquela parte também na qual diz “eu vejo um mundo velho, eu vejo um mundo morto”. É o que a gente estava sentindo na época sobre o mundo ao nosso redor. Outro lance legal do Arise é que as músicas são catchy (cativante). ‘Desperate Cry’ tem o refrão “Creation of insane rule/All we hear, desperate cry”, que é forte, a galera canta junto. A parte de “we’re born with pain” de ‘Dead Embryonic Cells’ também. Tem muita coisa relacionada com dor, guerra e raiva. É um disco nervoso. O jeito que eu vejo é: o Beneath the Remains é um pouco mais animal, e o Arise é uma espécie de parte desse animal. Só que sem tanta velocidade, pensando mais num lance de ritmo. Começamos pesquisar e vimos que thrash metal não precisava ser rápido o tempo todo. O lance de incluir groove junto deixa ainda mais legal. Tanto que uma das paradinhas mais legais que já fizemos até hoje é aquela de ‘Dead Embryonic Cells’. Quando toca não tem jeito de ficar parado.

Qual a lembrança mais bacana você tem do teu irmão (Iggor) referente a esse trabalho? Algo que ele compôs ou fez e que te marcou. Por qual razão?

Max Cavalera — Gravando a própria ‘Arise’ quando ele deu aquela virada meio Dave Lombardo no fim do solo. Quanto ele gravou aquilo foi: “CA-RA-LHO! Como tu conseguiu fazer isso? Que loucura!”. O final da ‘Desperate Cry’ também, que ele não estava conseguindo gravar. Ele tentava, tentava, e o produtor ia ficando puto. O Iggor também já tava irritado. Aí ele jogou as baquetas na parede, chutou o bumbo e o produtor disse: “vai descansar no hotel e volta amanhã”. Quando chegou no dia seguinte ele fez no primeiro take, detonou! O Iggor nunca aprendeu música, nunca teve uma aula de bateria, por isso que as coisas que ele criou nesses discos são impressionantes até hoje. Tem baterista que estuda o que o Iggor fez e não consegue entender.

Como é revisitar as composições desse álbum hoje em dia? Que tipo de recordações vêm à mente promovendo essa volta no tempo?

Max Cavalera — O lance da nostalgia é muito forte. É o tipo de situação em que você e o público viram uma coisa só. A gente meio que esquece a história de que a banda rompeu, que teve as tretas. É o momento em que nada disso importa, o que vale é a música que estamos tocando. Às vezes eu fecho os olhos e o tempo volta, parece que estamos em 1989. Eu falei isso no show em Fortaleza, quando abriu uma roda insana, com um subindo por cima do outro. Uma volta no tempo mesmo! É um dos lances mais satisfatórios para o músico tipo eu, que estou com 49 anos e já fiz tanto na carreira. Ter a possibilidade de recordar e tocar clássicos antigos, ao mesmo tempo em que estou fazendo música nova com o Soulfly e com o Cavalera Conspiracy, é muito legal!

Qual a faixa do Arise que tu mais curte para tocar ao vivo?

Max Cavalera — Véio, tem de ser ‘Desperate Cry’, que é muito foda. Ela pega mesmo! É o groove, os riffs, o refrão, os dois bumbos… Ela é foda. Toda noite ao vivo é muito foda. Para mim é a mais legal de tocar ao vivo.

Bicho, e o lance de fazer cover de ‘Orgasmatron’, do Motorhead: por que escolheram gravar releitura desse som especificamente? É real que você gravou os vocais doidão e, no outro dia, nem lembrava que tinha terminado as partes de voz? Conta pra gente essa história, por favor!

Max Cavalera — Quando eu achei ‘Orgasmatron’ eu estava chapado. A primeira vez que ouvi acho que estava em São Paulo. Tinha bebido pra caralho e estava no meu quarto. Botei para ouvir bem alto, comecei a bangear e pensei: “cara, que música doida, temos de fazer esse cover!” E quando eu fui gravar eu queria estar num espírito bem Lemmy, que é ficar doidão. Aí tomei bastante run com coca e detonei. Na foto que aparece na contracapa do disco meu olho mal abre porque foi feita no dia seguinte da gravação. Eu tava com uma ressaca fodida, com a cabeça estourando, mal conseguia ficar de olho aberto. E tinha de fazer essa sessão de foto. Não lembro muito da gravação, mas acho que saiu legal.

Por Homero Pivotto Jr.

Em 1989, sob os escombros da revolta juvenil e de um país que há pouco havia saído da ditadura, um novato baterista despontava no cenário da música pesada mundial. Iggor Cavalera, então com 19 anos, experimentava a sensação de ver o Sepultura — banda que formou com o irmão Max (voz e guitarra) — transformar o sonho adolescente numa verdadeira hipnose em massa entre os apreciadores de música extrema. Foi justamente no último ano da década de 1980 que o grupo mineiro lançou Beneath the Remains, trabalho que os consagrou como uma das potências do metal na época.

Não à toa que, após quase 30 anos, os Cavalera revisitem a discografia do antigo conjunto dando atenção especial a esse registro e seu sucessor Arise (1991). Em Porto Alegre, esse show especial, nomeado como Max & Iggor Cavalera 89/91 Era Special Setlist, rola em 4 de novembro, no Opinião (José do Patrocínio, 834).

A importância do Beneath the Remains não foi soterrada pelo tempo. No livro Sepultura: Toda A História — escrito pelo jornalista André Barcinski e pelo então roadie de longa data do quarteto Silvio Gomes — há um trecho do capítulo que fala sobre o disco que reforça tal percepção: “O Sepultura passou de banda desconhecida a uma das maiores promessas do heavy mundial”. Ainda de acordo com a publicação, foram mais de 60 shows na turnê do álbum (desde o fim de 1988 até dezembro de 1989) e 600 mil cópias vendidas.

O disco foi gravado durante a segunda quinzena de dezembro, em 1988, no estúdio Nas Nuvens (Rio de Janeiro), e teve produção do então mago do metal Scott Burns (que topou vir dos Estados Unidos por um cachê menor do que o usual). Além disso, foi o primeiro material do Sepultura com a chancela de uma gravadora de respeito, a Roadrunner Records.

Na entrevista a seguir, o próprio Iggor relata algumas impressões da época e como é reencontrar com o passado que já foi um futuro primitivo.

O Sepultura vinha em uma ascensão desde o primeiro registro, o split com o Overdose (Bestial Devastation, de 1985), mas parece que as coisas realmente começaram a acontecer depois do Schizophrenia (1987). Qual era o clima da banda na época da composição do Beneath the Remains?

Iggor Cavalera — O clima era bem legal e nosso nome estava cada vez mais aparecendo na cena do metal internacional. Além disso, havia a chance de gravar nosso primeiro disco com o apoio total da Roadrunner Records.

No livro Sepultura: Toda a História (do André Barcinski e do Silvio Gomes), consta que o Beneath the Remains foi o primeiro álbum com o qual a banda ficou realmente satisfeita pelo resultado. Por quê?

Iggor Cavalera — Desde o primeiro disco, sofremos muito tentando traduzir em estúdio o que tocávamos ao vivo — principalmente pelo fato de a maioria dos engenheiros de som nunca terem gravado algo extremo. Então, principalmente no Bestial Devastation e Morbid Visions, ficamos bastante decepcionados com o resultado final.

E como foi trabalhar com o Scott Burns, o cara que estava envolvido com diversas bandas de peso da época (Death, Obituary, Terrorizer…)? Além de ser responsável pela gravação, ele também deu pitacos em alguma composição na hora de registrar? Qual o peso do envolvimento dele para o Beneath the Remains ser o monstro que é?

Iggor Cavalera — O Scott Burns é um produtor animal, mas também ajudou muito na parte dos vocais (corrigindo nosso inglês macarrônico) e a dar uma polida nas ideias brutas dos sons.

Qual a lembrança mais bacana você tem do teu irmão (Max) referente a esse trabalho? Algo que ele compôs ou fez e que te marcou. Por qual razão?

Iggor Cavalera — O Max sempre foi o cara mais presente em todas as gravações da época, não desgrudava do estúdio do começo até o fim, com a mixagem do disco. Ele inclusive foi para Flórida mixar o Beneath the Remains com o Scott Burns.

Olhando para trás, hoje, de que maneira tu avalia a própria evolução como baterista do Schizophrenia para o Beneath the Remains? Pode-se dizer que o estilo Iggor já estava definido ali ou ainda passava por um processo de formação?

Iggor Cavalera — Acho que sim, mas eu ainda estava tentando tocar com estilo muito parecido ao dos bateras da época. Acredito que a partir do Arise eu comecei a criar meu estilo próprio.

Foi pela época do lançamento do Beneath the Remains que começaram a rolar altas matérias sobre o Sepultura na imprensa gringa. Algumas até comparavam a banda a nomes como Slayer e Metallica — bandas das quais eram abertamente admiradores. Rolava aquela sensação de ‘agora a porra ficou séria’?

Iggor Cavalera — Com certeza! Ver nosso nome comparado com o das bandas que a gente cresceu ouvindo dava sensação de que estávamos dando passos bem maiores para nos firmarmos na cena mundial.

Tem um lance curioso sobre a capa do disco, feita pelo Michael Whelan (artista bem requisitado na época pelas bandas de metal). Reza a lenda que tu havia escolhido um desenho dele e que, na surdina, a Roadrunner teria deixado essa imagem para o Obituary usar no Cause of Death. Procede? Como foi esse lance?

Iggor Cavalera —Isso é verdade! O Max descobriu o Michael Whelan por meio da capa de um livro do HP Lovecraft, e a gravadora achou “melhor” passar nossa ideia para o Obituary. Tem até uma versão com essa arte como se fosse o Beneath the Remains online por ai. Hahahahahah!

Como é, atualmente, revisitar as composições desse disco? Curte tocar as faixas como elas foram gravadas ou muda algumas partes da execução para fazer ao vivo?

Iggor Cavalera — É muito legal tocar essas músicas ao vivo! Mas, para ser sincero, foi um saco ensaiar sozinho até lembrar todas as partes dos discos. Eu tento deixar o mais próximo possível da original.

Qual tua faixa preferida do disco? E seria essa mesma música a que tu mais gosta de tocar atualmente? Por quê?

Iggor Cavalera — Eu estou curtindo muito tocar a ‘Infected Voice’. No disco (Arise) ela meio passou batida, mas ao vivo é um monstro de música.

Por Homero Pivotto Jr.

Não é nenhum truque de ilusão, senhoras & senhores: O Teatro Mágico está de volta com formação completa! A reunião da trupe ocorre depois de um hiato criativo que durou quase dois anos — tempo em que o mentor do grupo Fernando Anitelli dedicou-se à apresentações no formato violão e voz. O reencontro, que inclui uma curta turnê pelo Brasil, marca os 15 anos de uma carreira repleta de encantamentos e realizações.

São seis espetáculos especiais de aniversário, sendo um deles em Porto Alegre, dia 13 de outubro, no Opinião (Rua José do Patrocínio, 834). Nesses shows, o OTM resgata a magia pela qual ficou conhecido ao unir música, poesia, teatralidade, elementos circenses e interatividade com a plateia.

Aproveitamos a oportunidade para trocar uma ideia com o cantor, compositor e performer Fernando Anitelli. Na entrevista a seguir, ele responde questões sobre o retorno ao formato artístico plural, as novidades da tour e o sucesso do bando.

Em razão de você estar com shows solo em formato acústico, a trupe d’O Teatro Mágico diminuiu o ritmo de shows? Quantas apresentações o grupo deve fazer este ano? Há algum critério para definir os momentos em que o conjunto completo se apresenta? Caso sim, qual é?

Fernando Anitelli — O Teatro Mágico fez uma pausa criativa em 2016. Somos uma trupe formada por artistas independentes (compositores, criadores, arranjadores, bailarinos e intérpretes), e cada um foi regar um pouco da própria semente, da caminhada. Eu não fiz diferente. Passei a realizar algumas apresentações de voz e violão. A ideia era que fossem poucas, mas se transformou em uma turnê que já tem um ano e meio — indo para dois. Foram mais de 100 shows em um aspecto completamente distinto do espetáculo que é O Teatro Mágico. O voz e violão dá a capacidade de improvisar, de ter a participação muito próxima do público, com texto e com música. Esse é um formato que o OTM nunca havia apresentado. São as músicas em sua essência, naquela primeira intenção da ideia. O repertório também passa a ser distinto, eu posso levar — e levo — faixas que inspiraram outras, toco lados B’s. Tem também composições que não gravamos, mas que lançamos na rede. Enfim, tem tudo isso. Naturalmente agora, que estamos fazendo 15 anos, era inevitável voltar com a trupe para celebrar. Então, neste segundo semestre, faremos uma pequena turnê: seis apresentações que reúnem pessoas de cada fase d’O Teatro Mágico. No ano que vem a ideia é lançar um álbum e continuar fazendo shows da turnê com a trupe. E o voz e violão permanece. É um formato que não largo jamais, pois é uma delícia esse encontro com a plateia nessa perspectiva de sarau. Já o OTM é aquele espetáculo com imagem, movimento, dança, parte aérea, instrumentos, vários personagens, interferências de circo… Ficamos felizes por esse retorno para celebrar os 15 anos e já estamos ansiosos, preparando material para lançar em 2019.

A formação que vem a Porto Alegre é a mesma de quando o grupo estava fazendo as apresentações normalmente, antes da pausa criativa?

Fernando Anitelli — Tem gente de todos os álbuns. Misturando tudo isso daí, fizemos uma trupe dos 15 anos e estamos muito felizes de poder apresentar isso. É uma grande feijoada criativa, polifônica, sonora e corporal.

Como é retomar o espetáculo ao lado de outros artistas após mais de um ano e meio com formato intimista?

Fernando Anitelli — É uma delicia, um tesão! Voltar a trabalhar com pessoas com as quais já se trabalhou na sua caminhada, que se sabe o tipo de resposta e de solução, soma e agrega. A reação deles com o público, o carisma de cada um, o respeito profissional, a criatividade… Tratar com gente de quem se gosta, de quem se é amigo, traz uma outra força. É uma troca sensível na música. Para além da questão profissional, obreira, técnica e burocrática, o OTM é esse encontro de personalidades em que se tem uma construção pré-show que é a qualificação na relação. Isso impacta em como a gente joga tudo isso para o palco, como a gente brinca lá em cima, o que estamos dizendo e trazendo. Tem relação com qual é a intenção, o que a gente coloca no olhar, na palavra, no corpo e no gesto.

A reação do público é diferente quando você toca com a trupe toda e com violão e voz? Quais são as diferenças e semelhanças?

Fernando Anitelli — É completamente diferente. São apresentações distintas, todas com muita pressão e presença, mas uma coisa é completamente distinta da outra. Em um show acústico, tem a voz, o violão, a harmonia, o olhar, a visceralidade que está na cara do artista nessa troca. Outra é a apresentação d’O Teatro Mágico, com gente voando pela sua cabeça, guitarra, bateria, sonzeira, iluminação. O show do OTM é uma experiência, tem de estar presente.

Por falar nisso: as apresentações da trupe aqui — e é provável que em qualquer lugar, na verdade — demonstram um sintonia bem intensa entre quem está no palco. Como é criar essa química com todos os envolvidos?

Fernando Anitelli — Existe um trabalho pré-concebido antes das apresentações. A gente ensaia, se encontra, lê as letras, discute o que a gente está imaginando para o palco. As pessoas participam, opinam, dão ideias. Tipo: qual é a intenção desse momento? Qual é a explosão? Como vai ser feita a interferência? Quem vai estar em tal lugar quando algo acender ou apagar? Quem sai? Tudo isso é combinado, ensaiado e conversado. As pessoas já entram sabendo qual é a dinâmica do mapa do show. Sabemos que em determinados momentos dá para rolar improvisação, mas, essencialmente, sabemos o que está acontecendo.

E com o público, há alguma fórmula para gerar essa conexão? A interatividade, talvez?

Fernando Anitelli — É olhar no olho, conversar, trocar, convidar. É ser convidativo, intuitivo, interessante. Tem de fazer um show que seja foda. Tem de cuidar do público e ter respeito por ele. 

A face multifacetada d’O Teatro Mágico, unindo música, poesia e malabares, também ajuda a chamar atenção da plateia? Aliás, seria essa uma das razões para o sucesso da trupe, em sua avaliação?

Fernando Anitelli — Na verdade, acho que a pergunta deveria ser: a maneira plural d’O Teatro Mágico é uma das razões do nosso sucesso? Uma delas, sem dúvida. Existem vários motivos para que uma obra possa se acontecer, ter personalidade e vigor. Ter vida durante 15 anos e movimentar, ainda, uma galera. Desde o início, a ideia era fazer com que o OTM fosse uma companhia artística na qual pudéssemos misturar música, poesia, teatro, circo e improviso. Algo em que a música não fosse só a música, mas tudo aquilo que a envolve: o movimento, o olhar, o corpo, as cores. Tudo isso está relacionado. Então, quem tem a experiência de estar em um show do OTM tem uma opinião. Quem só escuta o disco trabalha só a parte sonora, não dá para comparar. Uma coisa é só som, outra são as sensações que envolvem esse corpo criativo e plural. Isso é, sem dúvida, algo que  faz a plateia pulsar junto com a gente.

O repertório para o show de outubro deve ter alguma novidade? Pode falar qual?

Fernando Anitelli — Sim! Mostraremos duas canções inéditas que estamos lançando no segundo semestre. Estamos trabalhando, inclusive, em um clipe e num material imagético muito bonito para o nosso público. E, para além dessas músicas, tem as versões que fizemos dos grandes sucessos desses 15 anos de carreira.

O grande prazer agora é, justamente, garimpar o que entra no repertório. Mas sabemos que ele vai ser muito cheio de força da palavra, da atualidade do país, da nostalgia do OTM, da melancolia, da graça, da provocação. É nesse viés.

Por Homero Pivotto Jr.

Foto: RODRIGO ROSA

Foi como bruxaria: o que poderia acontecer de melhor e de pior na carreira do Sublime rolou praticamente ao mesmo tempo. E de maneira repentina. Em 1996, pouco antes de a banda lançar seu disco autointitulado, o terceiro e mais celebrado da discografia, o vocalista Bradley Nowell morreu — ao que indicam as circunstâncias, de overdose. Músicas desse álbum, como ‘Santeria’, ‘What I Got’ e ‘Wrong Way’ reverberaram pelo mundo, fazendo os californianos ficarem conhecidos. Mas, sem o frontman, não foi possível aproveitar o sucesso por completo.

Até que, em 2009, como num passe de mágica, surgiu o talentoso jovem Rome Ramirez, então com 20 anos. Ele não apenas assumiu o posto deixado pelo falecido músico, tocando guitarra e cantando, mas impressionou com uma voz que lembra a de seu antecessor. Em 2010, para evitar complicações legais, o conjunto foi rebatizado como Sublime With Rome. Desde então, o grupo já lançou dois discos de estúdio — Yours Truly (2011) e Sirens (2015) — e rodou em turnês por vários cantos do mundo mundo. Atualmente, a formação tem ainda o baixista Eric Wilson (único membro ainda na ativa desde o início das atividades) e o baterista Carlos Verdugo (o original, Bad Gaugh, saiu em 2011).

Na entrevista a seguir, Rome fala sobre novo disco, o atual momento da banda e o que faria para melhorar o mundo se pudesse praticar ‘santeria’.

Qual a situação do álbum que estava previsto para sair este ano? Alguma ideia de quando o disco deve ser lançado? Já estão tocando faixas desse trabalho nos shows?
Rome Ramirez — Olá, primeiramente obrigado por seu tempo. Somos muito gratos pela força que estamos recebendo com o Sublime With Rome. Nosso novo disco está pronto e deve ser lançado na primavera (dos EUA) de 2019. Vamos tocar uma nova música desse registro nos shows, pois queremos ir aquecendo para o lançamento. Os fãs podem esperar o melhor do Sublime!

A banda tem usado uma foto de divulgação em que os três integrantes aparecem com visual mais punk. Alguma razão para isso? Tipo, o álbum vai soar mais agressivo ou as composições expressam descontentamentos com alguma situação?
Rome —  Não há nenhuma razão especial. Gostamos de mudar a aparência de tempos em tempos. E acho que nossa música tem o poder de mudar as pessoas, simplesmente como trocamos nosso visual.

Ainda no sentido da pergunta anterior: como o punk rock, principalmente da Califórnia, reverbera no som do Sublime With Rome?
Rome —  Seguimos ouvindo os mesmos tipos de som que gostávamos no passado. Nossa relação com o punk segue inalterada, ainda curtimos pra caramba! 

O Sublime With Rome tem um espécie de sonoridade ensolarada — talvez pelo fato de a banda ser da Califórnia. Como vocês constroem essa identidade e como agregam referências de diferentes gêneros (reggae, dub, rock…)?
Rome — Tem muito da Studio One (gravadora e estúdio jamaicanos) com o reggae. Algo sujo e verdadeiro, como  Lee ‘Scratch’ Perry e coisas do tipo. Primeira onda, yeah! Esse é o estilo que estávamos tentando atingir. Então, misture isso com baterias pulsantes numa sala ao vivo, mais camadas de samples e está feito. Quero dizer, as pessoas esperam que o Sublime faça um disco de reggae rock, certo? Porque esse é o estilo das músicas mais populares da banda. Porém, algumas das melhores coisas da discografia passada do Sublime não foram singles. Eram faixas influenciadas pelo Black Flag e pelo Greg Ginn (guitarrista do Black Flag), por exemplo. E vamos ter um pouco disso no álbum novo.

Agora que você já está fazendo vocal e guitarra na banda há um tempo, sente uma sintonia maior desde que os trabalhos foram retomados, em 2009?
Rome — Claro! Esse retorno só fez bem para a gente, como músicos e como pessoas. Eu acredito piamente que o melhor para a banda ainda está por vir. 

E como as mudanças de formação, tal qual a saída do batera Bud, afetam a química do grupo e a maneira como vocês compõem?
Rome — Mudanças são naturais. As pessoas são diferentes, tem variados modos de pensar. Mas sempre vejo pelo lado positivo: novas experiências são importantes em nossas vidas e para a banda. 

Você e o Eric têm filho e entendem a relação entre pais e suas crianças. Podemos dizer que rolou uma espécie de sentimento paterno do Eric com você, por ele ser mais velho e fundador do Sublime?
Rome — Acreditamos que, na vida, sempre há uma conexão espiritual entre as pessoas. E tem sido um grande privilégio tocar com os caras do Sublime.

Além do trio que é a base da banda, alguns shows do Sublime With Rome contam com outros músicos (mais um guitarrista, DJ, naipe de metais…). Por que, às vezes, as apresentações são só os três integrantes principais e outras envolvem mais gente?
Rome — Pensamos que não há limites em termos de musicalidade. Sempre acrescentamos algo de novo aos sons quando achamos necessário. 

Se você fosse capaz de praticar bruxaria, o que faria para fazer do mundo um lugar melhor?
Rome — Cuidaria da nossa rotina, protegendo o meio-ambiente, nossas crianças e amando as pessoas. Existem muitos jeitos de fazer o mundo melhor!

Por Homero Pivotto Jr.

Bom comportamento nunca foi o forte da Velhas Virgens. Aliás, a banda construiu toda sua reputação — de maneira independente, ressalte-se — em cima de uma postura debochada e confrontadora. E segue assim atualmente, do alto de suas mais de três décadas na boemia musical, embalada por um rock simples e sincero. Se você aprova ou não é outro papo, mas o grupo continua autêntico e disposto a seguir com sua saga provocativa, sem medo dos julgamentos que possa receber em tempos nos quais a linha entre ironia e preconceito é cada vez mais tênue.

O grupo paulista tem show marcado em Porto Alegre para 11 de agosto, sábado, no Opinião (José do Patrocínio, 834), quando celebra o lançamento do DVD comemorativo aos 30 anos. Aproveitando a oportunidade, trocamos ideia com o vocalista Paulo ‘Paulão’ Carvalho, que não perdeu a verve polêmica mesmo com a chegada dos 50 anos. Entre os assuntos abordados na entrevista, estão a suposta aposentadoria, a era do politicamente correto, a projeção da Velhas Virgens e como música e cerveja podem mudar a vida de alguém.

Boa parte da banda não cozinha mais na primeira fervura, como diz o ditado. Até porque, já são mais de 30 anos na estrada. Mesmo assim, dizem que vocês ainda tomam mais cerveja do que remédios (risos), procede?

Paulo ‘Paulão’ Carvalho — Graças a Deus gastamos mais dinheiro no bar do que na farmácia, sim! A gente sempre gostou da bebedeira e da boemia, e isso está impresso nas canções. Não somos a maior nem a melhor banda do mundo. Apenas uma banda que faz o que gosta e consome esse universo boêmio até a última gota.

A que atribuem essa longevidade como artistas?

Paulão — Dinheiro não é. Acho que tá mais para ser como um grupo de adolescentes viajando juntos. Amizade. A adolescência já passou faz tempo, mas seguimos nos divertindo e fazendo festa com fãs pelo Brasil inteiro. A gente faz o que gosta. E isso não é pouco!

Qual foi o momento em que perceberam a música como um trampo? Uma atividade que, além de divertida, coloca comida na mesa?

Paulão — Os anos 80 transformaram o rock brasileiro em algo rentável. A gente nunca tocou no rádio e não temos costas quentes. Não somos filhos de políticos, empresários ou parentes de artistas. A gente seduz pela sinceridade e pela batalha. Descobrimos que cair na estrada gera um público que permite um ganho razoável. Fomos criando produtos pensando nesses fãs, e isso aumentou a proximidade com eles e a grana. Mas todo mundo (ou quase todo mundo) tem trabalhos paralelos para sobreviver. A gente se vira e se diverte tocando rock num país que tem pelo menos seis ou sete gêneros musicais mais populares do que o rock. Não é mole, não.

 A Velhas Virgens sempre se manteve por conta própria, de maneira independente. Inclusive, parece que a banda faz questão de destacar isso — registre-se que, de fato, é algo louvável. Essa opção foi intencional ou uma necessidade que rolou? Por quê?

Paulão — A gente ficou independente porque ninguém nos quis. Aí, a saída foi viabilizar os próprios discos, shows e criar um canal de contato com os fãs. Abrimos nosso próprio selo. A internet ajudou muito nisso. Lançamos o primeiro disco independente. Fizemos o segundo pela Velas, uma gravadora independente. Em 1998, fizemos um terceiro disco e ninguém se interessou. Lançamos nós mesmos e fomos descobrindo que não precisávamos do sistema nos bancando. E seguimos assim faz 32 anos. Não é fácil, mas ninguém se mete no nosso som. A gente faz música para o povo nos shows. O resto que se foda.

Ainda no mesmo tema: a banda já foi sondada por alguma grande gravadora? Por que não rolou? O deboche na postura e nas letras atrapalhou de alguma maneira?

Paulão — Não, nunca fomos sondados de fato. Já disseram que se nosso som fosse mais pra “Claudinho e Buchecha” seria mais fácil. O falecido Carlos Eduardo Miranda, meu amigo, quando comandava o selo Banguela (criado por integrantes dos Titãs), nos disse que a gente era muito difícil de manipular. Considerei isso como um elogio. A gente escreve letras explícitas, mas com alguma classe — coisa que falta ao funk carioca hoje em dia. Raul Seixas disse: “é preciso cultura para cuspir na estrutura”. O problema é que se um funkeiro fala “buceta” é cultura. Se a gente fala é putaria. Quer saber: seguimos em frente ouvindo apenas nossa própria consciência.

Falando nisso… Atualmente, nesses tempos mais sérios, já tiveram algum tipo de encrenca em razão do deboche característico da banda?

Paulão — Nosso rock não é rápido e nem sujo o suficiente para confundir as palavras. Logo, todos entendem perfeitamente o que estamos dizendo. Aí, claro, tem os puritanos que, junto com a família, assistem à novela das nove, mas nos acusam de safadezas mil. Tem as falsas feministas que querem nos imputar o rótulo de machistas, quando em nossas músicas escancaramos com sinceridade a natureza masculina e como ela funciona. Elas sabem que o que dizemos se passa na cabeça dos namorados, pais, filhos e maridos delas. Sabem que a gente está falando a verdade, revelando como funciona a natureza masculina e contrapondo-a à feminina. A gente prega a liberdade, igualdade e fraternidade entre ébrios. Somos meio malditos. E isso é até um mote, um slogan que nos manda pra frente.

A banda já é estabelecida. Contudo, no cenário atual, acreditam que um grupo com postura tão provocadora conseguiria ganhar espaço?

Paulão — Com o advento do politicamente correto, o mundo tá cada vez mais chato e vigiado. Não se faz arte, nem um roquinho chinfrim como o nosso, sem liberdade. Mas se você quer se expressar artisticamente não pode pensar nos outros, querer tapinha nas costas. Não se faz arte com democracia ou gentileza. Arte se faz com inteligência e atitude. E pau duro! 

Fora a música, a Velhas Virgens diversificou as atividades: tem bar, cerveja, quadrinhos… De onde veio esse ímpeto empreendedor e como são escolhidos esses outros ramos de atuação que levam o nome da banda?

Paulão —  São desdobramentos naturais das coisas que a gente gosta. Bar e cerveja são nosso habitat. Quadrinhos é algo com que o Cavalo (guitarrista) está muito ligado, pois já foi roteirista tanto de histórias pornôs quanto da Disney. A gente vai se virando para se aproximar dos fãs e tentar ganhar uns trocos para pagar as contas nos bares.

O que mantém vocês pilhados a subir num palco e mandar brasa até os dias de hoje?

Paulão — A gente ama essa porra de rock porquinho, mal tocado, direto e sem frescuras. É muito divertido ver desavisados deixarem o queixo cair nos shows ao ouvirem frases que costumam falar no estádio de futebol e nos bares, mas que nunca escutaram num palco. Temos muito orgulho da nossa trajetória: meninos de classe média da zona norte paulistana tocando o terror de norte a sul neste país povoado de farsantes e corruptos. Nosso discurso está à frente do nosso tempo. Doses cavalares de ironia, humor e sinceridade pra chacoalhar a cabeça e o coração.

Você havia anunciado que se aposentaria. Como anda essa questão? E, caso venha a rolar, a banda deve seguir?

Paulão — Eu estava em crise, próximo dos 50 anos. Não enxergava futuro e não estava me divertindo. Queria ficar em casa e curtir minha filha pequena. Até tentei, mas não consegui ficar longe da estrada e do rock. A crise dos 50 é barra.  Você pensa: “porra, já vivi muito mais do que vou viver. O que faço com os sonhos que não realizei e, provavelmente, não realizarei?” Ainda não sei a resposta, mas passei a curtir a correria, as noites mal dormidas, a distância da família, as ressacas e tudo que cerca uma banda de rock. Passei a curtir isso sem grandes expectativas. Tem show? Ótimo, vamos botar pra fuder! É o momento de um novo CD? Lindo, vamos fazer do jeito que a gente quer e nos divertir. Eu não vou parar! Vou seguir fazendo parte da maior banda independente do Brasil, sendo indigesto, desagradável e divertido. Amo o rock’n’roll! Eu era um adolescente tímido e derrotado. A cerveja e o rock salvaram minha vida. Vamos assim, sem grandes expectativas, consumindo a cerveja que está na mesa… De preferência artesanal.

Por Homero Pivotto Jr.

A razão para o título do mais recente lançamento do Vader ser Dark Age (idade da treva, em tradução livre) tem a ver com direitos autorais. No entanto, o próprio líder da banda, Piotr “Peter” Wiwczarek, sabe que é praticamente impossível dissociar um nome como esse dos tempos em que vivemos. Religião, guerra e estupidez humana — temas recorrentes nas composições do quarteto — reforçam tal percepção. E Peter tem bastante a dizer sobre isso na entrevista a seguir, que aborda também influências musicais, o cenário da música extrema na Polônia e os planos para o futuro.

O Vader apresenta o show da turnê “The Ultimate Incantation – 25 years of Chaos” em Porto Alegre no dia 18 de maio, às 20h, no Opinião (José do Patrocínio, 834).

Dark Age (idade da treva, em tradução livre) é o nome do último lançamento do Vader — uma coletânea com regravações do disco de estreia The Ultimate Incantation (1992). E o título se encaixa perfeitamente no tempo em que vivemos. Houve algum evento em específico que o levou a escolher essa expressão para batizar o álbum?

Piotr “Peter” Wiwczarek — O título é muito apropriado ao nosso momento atual, de fato. Porém, a razão para termos escolhido esse nome foi outra. Queríamos fazer uma reedição do nosso debut, mas a Earache Records (gravadora que detém os direitos da obra) não queria deixar. Mesmo que fosse uma tiragem bem limitada. Estávamos prontos para pagar o dobro e licenciar o material ou encontrar outra solução. Tudo em vão. O único jeito de celebrarmos os 25 anos de The Ultimate Incantation foi regravando-o, dando um nome diferente e fazendo outra capa. E foi o que fizemos.

Mesmo que o título não seja especificamente um reflexo dos dias atuais, é impossível não fazer relação com isso. Logo, pensa que há uma luz que possa nos guiar por essa era da escuridão? Ou, como previu o Terrorizer ao batizar seu segundo disco: darker days ahead (dias mais trevosos pela frente, em tradução livre)?

Peter — O mundo, como sabemos, está há tempos sem uma grande encrenca. Há conflitos, claro, em diversas partes do globo. Contudo, nada muito espetacular ocorrendo na Europa ou na América do Norte. As novas gerações não têm ideia de o que é uma guerra real e as mortes que ela provoca. O que está acontecendo agora na Europa vai levar a outra guerra mundial se as pessoas não pararem de seguir políticos estúpidos e gananciosos. Nos anos 1990, nós acabamos com diversas fronteiras. Com isso, cidadãos de vários países puderam conhecer o continente e nações que foram oponentes 50 anos antes. Muitos têm tentado (e conseguido) curar velhas feridas. Mas seus filhos estão querendo abri-las novamente, e isso é realmente idiota e perigoso. Depois que o fogo começa, não há como retroceder. E a era da treva vai comandar o mundo.

O tema das letras do Vader não é apenas antirreligião, mas esse assunto é frequente na discografia da banda. O quanto você acha que a religião influencia uma sociedade que caminha pela era da treva?

Peter — A religião carrega as ideias mais envenenadas da humanidade. Bem ao contrário das suposições. Não tem nada a ver com a crença das pessoas, mas usar isso para lucrar. Essa é a principal razão pela qual odeio política e escrevo tanto sobre isso em minhas letras. Eu respeito quem tem crença, pessoas que escolhem um poder supremo, que cria e destrói tudo aquilo que chamamos de vida. Isso é uma opção pessoal e deve ser respeitada nesse sentido. Como era o cristianismo, o judaísmo e o islamismo. Obrigar as pessoas a ter uma única verdade e ameaçá-las para isso é muito ruim. É esse tipo de situação que conduz à guerra em nome de ‘Deus’, que nada mais é do que dizimar e invadir. A religião está ficando mais forte  atualmente porque fiéis cegos encontraram uma boa razão para eliminar todos os inimigos de seu Deus.

Ser de uma país que já deu ao mundo um Papa (João Paulo II) fez com que você aprendesse a lidar com a questão religiosa cedo? Quando se deu conta de que o lance de ‘obedeça’, ‘faça isso, faça aquilo’ era algo prejudicial à humanidade?

Peter — Essa é a razão pela qual escolhi o cristianismo como o ideário mais nocivo do mundo. Eu conheço isso desde criança. A religião é o grande problema da Polônia atualmente. O que escrevo nas letras é uma opinião geral sobre a religião em si.

Outro tema comum na parte lírica do Vader é a guerra. Questão com a qual a Polônia também teve mais proximidade do que muitos países — considerando que a invasão do seu país foi o estopim para Segunda Guerra Mundial, por exemplo. Falando como alguém que esteve sempre tão perto do assunto, o quão longe acredita que estamos de um novo conflito mundial e qual o reflexo disso nas letras?

Peter — O problema é que o povo polonês vive das lendas criadas pela propaganda ou por filmes como Corações de Ferro, no qual o que é retratado (embora bem feito) é diferente da realidade da guerra. E isso é uma tendência mundial hoje em dia. Apenas preste a atenção e vai perceber o que estou falando. É clara a intenção de reconstruir fronteiras. Logo, aparecem assuntos mal resolvidos no passado e os antagonismos disso. Políticos ganham dinheiro com o ódio. Sempre! É por isso que política e religião mantêm as pessoas longe da educação. É muito mais fácil manipular e controlar quem não tem conhecimento. Triste, mas verdade. A força faz sentido, mas só se conectada ao cérebro. Se é que você me entende…

A atual turnê celebra os 25 anos de lançamento do disco de estreia The Ultimate Incantation. Sabemos que a indústria da música mudou bastante durante este quarto de século, mas como isso afeta diretamente o cenário da música extrema?

Peter — Mesma situação de qualquer outro ‘negócio’ que envolva arte. Em vez de ajudar e desenvolver, o viés escolhido foi o comercialismo, a corrupção, a falta de conexão emocional etc. Temos mais bandas e menos paixão. Mais nomes, menos qualidade na música. As pessoas tocam melhor seus instrumentos, mas não conseguem criar as próprias composições. Apenas compare os anos 1980 e a década atual do século XXI. Não se trata apenas de uma opinião subjetiva, é drasticamente visível. Pelo menos existem algumas bandas boas tocando hoje em dia, e isso é esperança para mim e para quem pensa da mesma forma. Há quem faça seu som e não dê a mínima para o lado comercial. Power Trip, Hellbringer, Decapitated, Evile… apenas para citar algumas.

O lançamento mais recente traz as mesmas músicas do disco de estreia. Por que refazer isso? Havia algo que não gostava no jeito que as faixas soavam?

Peter — Pela razão que falei anteriormente. A decisão da Earache nos forçou a fazer isso. Além disso, nunca gostei da sonoridade do nosso debut. Estávamos em um estúdio profissional pela primeira vez e não tínhamos nosso equipamento. Guitarras, pedais… era tudo alugado. Não havia tempo para experimentar ou conhecer o que tínhamos disponível. Imagine The Ultimate Incarnation soando como Dark Age em 1993. 😉 De qualquer maneira, a sonoridade nunca esteve em discussão. Goste ou não, é parte do pacote. Mesmo no metal, estilo no qual o que se ouve é crucial.

O Vader é conhecido por misturar estilos extremos do metal, como death e thrash metal — embora o primeiro seja preponderante. Como você vê o death e a música extrema em geral atualmente? Não apenas musicalmente, mas falando também de mercado, receptividade da audiência e qualidade das bandas.

Peter — Nunca gostei dessas categorizações no metal. Todos os gêneros aparecem com o tempo. Escolhemos death metal para descrever o Vader porque nossa música fecha com tal definição. Apesar de que o Vader já foi considerado thrash e até black metal por alguns. Nós definitivamente tocamos metal extremo com influências de thrash, grind ou heavy clássico. Metal hoje em dia é um território vasto. Há bandas classificadas como metal que nunca seriam chamadas assim nos anos 1980 e 1990. Tanto pela música quanto pela imagem. Eu aceito isso, mas não gosto. Há uma onda de revival do real metal ultimamente, e fico feliz com isso. Vejo novamente novas geraçõe de metaleiros na primeira fila, bangueando e gritando, com cabelos longos e jaquetas de couro com rebites. Isso é metal para mim! E sinto falta disso.

O que você pensa sobre os tantos rótulos que apareceram durante os anos para descrever as bandas de metal? Tipo OSDM (old school death metal), brutal death metal, deathcore… Isso ajuda a espalhar a palavra ou segrega ainda mais?

Peter — Como disse anteriormente, não curto toda essa segregação no metal. Quando eu era um jovem metalhead, ouvia com a mesma empolgação Black Sabbath, Slayer, Exploited ou Saxon. Logo, fiquei mais ortodoxo e focado na velocidade e nos temas obscuros.  Os últimos anos, no entanto, me trouxeram de volta ao que eu costumava escutar antigamente.

Como era a cena da música extrema na Polônia quando o Vader iniciou as atividades, na primeira metade dos anos 1980? Quais bandas influenciaram vocês?

Peter — O Vader foi uma das bandas que começou o cenário de música extrema na Polônia. Éramos todos pirados com hordas como Saxon, Priest ou Maiden, mas queríamos tocar mais rápido. Venom, Slayer e Kreator foram divisores de água em nosso país no começo dos 80’s. Quando iniciamos, entre 1982-83, o Vader era mais heavy/speed, mas ficamos mais radicais logo em seguida. Fomos pioneiros no cenário underground junto com alguns amigos com os quais nos encontrávamos para ouvir metal e beber. Havia bandas como Imperator, Ghost, Merciless Death e Scarecrow, além de outras bem promissoras. Quase todas desapareceram. É por isso que quis recordar a cena do metal extremo polonês gravando Future of the Past 2: Hell in the East há alguns anos. Não havia apoio nenhum e estávamos tentando cooperar e nos ajudar. Foram ótimos e felizes dias.

Quais considera as grandes realizações que alcançou sendo músico?

Peter — Seguimos ativos e ocupados desde que começamos, há 35 anos. Existe uma legião de fãs fiéis e dedicados ao Vader por todo o mundo. Estamos na terceira geração de Vadermaníacos e vejo com frequência jovens nos shows com seus pais. O que posso pedir mais? O respeito dos fãs é o melhor e qualquer banda pode ter isso.

O último trabalho de inéditas é The Empire (2016). Há planos para um novo registro?

Peter — Temos planos de gravar um novo disco em janeiro de 2019. Então, deve sair antes ou depois do verão europeu. Vai ser realmente brutal. Talvez lancemos um EP antes, no fim de 2018, para manter os fãs ativos com algo novo. Todo este ano é especial para nós. São 35 anos de banda, 25 anos do nosso debut e 20 anos de Black to the Blind. Depois disso vamos nos voltar aos tempos modernos e preparar algumas faixas agressivas.

De onde vem a energia para continuar detonando ao vivo depois de três décadas?

Peter — Do coração! Eu sou (todos somos, de maneiras diferentes) loucos por metal desde que ouvi Black Sabbath pela primeira vez. Isso foi em 1980. O que veio depois com Judas Priest, Slayer e Morbid Angel só aumentou minha paixão. Sou um doente por metal!

Por Homero Pivotto Jr.